Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |

Dino Lipatti

Jo vardas jau seniai tapo istorijos nuosavybe: nuo menininko mirties praėjo maždaug penki dešimtmečiai. Per šį laiką pasaulio koncertinėse scenose iškilo ir nusileido daugybė žvaigždžių, užaugo kelios iškilių pianistų kartos, įsigalėjo naujos scenos meno kryptys – tos, kurios paprastai vadinamos „moderniu atlikimo stiliumi“. O tuo tarpu Dinu Lipatti palikimas, skirtingai nei daugelio kitų didžiųjų mūsų amžiaus pirmosios pusės menininkų palikimas, nebuvo padengtas „muziejaus dvelksmu“, neprarado savo žavesio, šviežumo: paaiškėjo, kad būti už mados ribų, be to, ne tik toliau jaudina klausytojus, bet ir daro įtaką naujoms pianistų kartoms. Jo įrašai nekelia pasididžiavimo senų diskų kolekcionieriams – jie vėl ir vėl išleidžiami, išperkami akimirksniu. Visa tai vyksta ne todėl, kad Lipatti vis dar galėtų būti tarp mūsų, būti pačiame puikybėje, jei ne dėl negailestingos ligos. Priežastys yra gilesnės – pačioje jo nesenstančio meno esmėje, giliame jausmo tikrume, tarsi apvalytas nuo visko išorinio, praeinančio, dauginantis muzikanto talento įtakos galią ir šiuo metu distanciją.

Nedaugeliui menininkų per tokį trumpą laiką, kurį jiems skyrė likimas, pavyko palikti tokį ryškų pėdsaką žmonių atmintyje. Ypač jei prisiminsime, kad Lipatti jokiu būdu nebuvo vaikas vunderkindas visuotinai priimta to žodžio prasme ir palyginti vėlai pradėjo plačią koncertinę veiklą. Jis augo ir kūrėsi muzikinėje atmosferoje: jo močiutė ir mama buvo puikios pianistės, tėtis – aistringas smuikininkas (net skaitė pamokas pas P. Sarasate ir K. Flesch). Žodžiu, nenuostabu, kad būsimasis muzikantas, dar nemokėdamas abėcėlės, laisvai improvizavo fortepijonu. Jo nesudėtingose ​​kompozicijose su stebėtinu rimtumu keistai derėjo vaikiškas linksmumas; toks jausmo betarpiškumo ir minties gilumo derinys išliko ir vėliau, tapęs būdingu brandaus menininko bruožu.

Pirmasis aštuonmečio Lipatti mokytojas buvo kompozitorius M. Zhora. Mokinyje atradęs išskirtinių pianistinių gebėjimų, 1928 metais jį perdavė garsiai mokytojai Florikai Muzycheskei. Tais pačiais metais jis turėjo dar vieną mentorių ir mecenatą – George'ą Enescu, kuris tapo jauno muzikanto „krikštatėviu“, atidžiai sekė jo raidą ir padėjo jam. Būdamas 15 metų Lipatti su pagyrimu baigė Bukarešto konservatoriją ir netrukus laimėjo Enescu premiją už savo pirmąjį didelį kūrinį – simfoninius paveikslus „Chetrari“. Tuo pat metu muzikantas nusprendė dalyvauti tarptautiniame pianistų konkurse Vienoje, viename „masiškiausių“ pagal dalyvių skaičių konkursų istorijoje: tuomet į Austrijos sostinę atvyko apie 250 menininkų. Lipatti liko antras (po B. Kohno), tačiau daugelis komisijos narių jį vadino tikruoju nugalėtoju. Protestuodamas A. Cortot net paliko prisiekusiųjų komisiją; bet kuriuo atveju jis iš karto pakvietė rumunų jaunimą į Paryžių.

Lipatti penkerius metus gyveno Prancūzijos sostinėje. Tobulėjo pas A. Cortot ir I. Lefebur, lankė Nadios Boulanger klasę, vedė dirigavimo pamokas pas C. Munsch, kompoziciją pas I. Stravinskį ir P. Duke'ą. Boulangeris, išugdęs dešimtis pagrindinių kompozitorių, apie Lipatti pasakė taip: „Tikru muzikantu visa to žodžio prasme galima laikyti tą, kuris visiškai atsiduoda muzikai, pamiršdamas apie save. Galiu drąsiai teigti, kad Lipatti yra vienas iš tų menininkų. Ir tai yra geriausias mano tikėjimo juo paaiškinimas. Būtent su Boulanger'iu Lipatti 1937 m. padarė savo pirmąjį įrašą: Brahmso keturrankius šokius.

Tuo pačiu metu prasidėjo ir koncertinė menininko veikla. Jau pirmieji jo pasirodymai Berlyne ir Italijos miestuose patraukė visų dėmesį. Po debiuto Paryžiuje kritikai palygino jį su Horowitzu ir vienbalsiai numatė jam šviesią ateitį. Lipatti lankėsi Švedijoje, Suomijoje, Austrijoje, Šveicarijoje ir visur jam sekėsi. Su kiekvienu koncertu jo talentas atsivėrė naujais aspektais. Tai palengvino jo savikritika, kūrybos metodas: prieš iškeldamas savo interpretaciją į sceną, jis pasiekė ne tik tobulą teksto įvaldymą, bet ir visišką susiliejimą su muzika, o tai lėmė giliausią įsiskverbimą į autoriaus kūrybą. ketinimą.

Būdinga, kad tik pastaraisiais metais jis pradėjo atsigręžti į Bethoveno paveldą, o anksčiau manė, kad nėra tam pasiruošęs. Vieną dieną jis pastebėjo, kad jam prireikė ketverių metų parengti Penktąjį Bethoveno koncertą arba Čaikovskio pirmąjį koncertą. Žinoma, tai nekalba apie ribotus jo gebėjimus, o tik apie kraštutinius reikalavimus sau. Tačiau kiekvienas jo pasirodymas yra kažko naujo atradimas. Išlikdamas skrupulingai ištikimas autoriaus tekstui, pianistas interpretaciją visada užvesdavo savo individualumo „spalvomis“.

Vienas iš tokių jo individualumo požymių buvo nuostabus frazavimo natūralumas: išorinis paprastumas, sąvokų aiškumas. Tuo pačiu kiekvienam kompozitoriui jis rasdavo ypatingų fortepijono spalvų, atitinkančių jo paties pasaulėžiūrą. Jo Bachas skambėjo kaip protestas prieš ploną didžiojo klasiko „muziejinį“ atkūrimą. „Kas drįsta pagalvoti apie cembalo, klausydamas tokios nervingos jėgos, tokio melodingo legato ir tokios aristokratiškos grakštumo, atliekamos Lipatti Pirmosios partijos? – sušuko vienas iš kritikų. Mocartas jį traukė pirmiausia ne grakštumu ir lengvumu, o jauduliu, netgi dramatiškumu ir tvirtumu. „Jokių nuolaidų galantiškam stiliui“, atrodo, sako jo žaidimas. Tai pabrėžia ritmiškas griežtumas, vidutinis pedalų mynimas, energingas prisilietimas. Jo supratimas apie Šopeną slypi toje pačioje plotmėje: jokio sentimentalumo, griežto paprastumo, o kartu – didžiulė jausmų galia...

Antrasis pasaulinis karas surado menininką Šveicarijoje, kitoje kelionėje. Grįžo į tėvynę, toliau koncertavo, kūrė muziką. Tačiau dusinanti fašistinės Rumunijos atmosfera jį slopino ir 1943 metais jam pavyko išvykti į Stokholmą, o iš ten – į Šveicariją, kuri tapo paskutiniu jo prieglobsčiu. Ženevos konservatorijoje vadovavo atlikimo katedrai ir fortepijono klasei. Tačiau kaip tik tą akimirką, kai baigėsi karas ir menininkui atsivėrė puikios perspektyvos, pasirodė pirmieji nepagydomos ligos – leukemijos – požymiai. Savo mokytojui M. Žorai jis karčiai rašo: „Kai buvau sveikas, kova su nepritekliumi vargino. Dabar, kai sergu, yra kvietimų iš visų šalių. Pasirašiau sužadėtuves su Australija, Pietų ir Šiaurės Amerika. Kokia likimo ironija! Bet aš nepasiduodu. Aš kovosiu, kad ir kaip būtų“.

Kova tęsėsi ilgus metus. Ilgas keliones teko atšaukti. 40-ųjų antroje pusėje jis beveik nepaliko Šveicarijos; išimtis buvo kelionės į Londoną, kur debiutavo 1946 m. ​​kartu su G. Karajanu, grodamas jo vadovaujamą Schumanno Koncertą. Vėliau Lipatti dar kelis kartus keliavo į Angliją įrašinėti. Tačiau 1950 m. jis nebeištvėrė net tokios kelionės, o „I-am-a“ firma išsiuntė jam savo „komandą“ į Ženevą: per kelias dienas, didžiausių pastangų kaina, 14 Šopeno valsų, Įrašyta Mocarto Sonata (Nr. 8), Bacho partita (B-dur), Šopeno 32-oji Mazurka. Rugpjūčio mėnesį jis su orkestru koncertavo paskutinį kartą: skambėjo Mocarto koncertas (Nr. 21), prie pakylos buvo G. Karayanas. O rugsėjo 16 dieną Dinu Lipatti atsisveikino su Besansono publika. Koncerto programoje buvo Bacho Partita B-dur, Mocarto Sonata, du ekspromtai Schuberto ir visi 14 Chopino valsų. Žaidė tik 13 – paskutiniam nebeužteko jėgų. Tačiau supratęs, kad scenoje nebebus, atlikėjas atliko Myros Hess aranžuotą Bacho choralą fortepijonui... Šio koncerto įrašas tapo vienu įdomiausių, dramatiškiausių dokumentų mūsų šimtmečio muzikos istorijoje...

Po Lipatti mirties jo mokytojas ir draugas A. Cortot rašė: „Brangioji Dinu, jūsų laikina viešnagė tarp mūsų ne tik bendru sutarimu iškelia jus į pirmąją vietą tarp jūsų kartos pianistų. Tavęs klausiusiųjų atmintyje palieki pasitikėjimą, kad jei likimas tau nebūtų buvęs toks žiaurus, tavo vardas būtų tapęs legenda, nesavanaudiškos tarnystės menui pavyzdžiu. Nuo tada praėjęs laikas parodė, kad Lipatti menas išlieka tokiu pavyzdžiu iki šių dienų. Jo garso palikimas palyginti nedidelis – tik apie devynias valandas įrašų (jei skaičiuoti pakartojimus). Be minėtų kūrinių, jam pavyko užfiksuoti tokius Bacho (Nr. 1), Chopino (Nr. 1), Griego, Schumanno koncertus, Bacho, Mocarto, Scarlatti, Listo, Ravelio pjeses, savo paties kompozicijos – Concertino klasikiniu stiliumi ir Sonata kairiosioms rankoms… Tai beveik viskas. Tačiau visi, susipažinę su šiais įrašais, tikrai pritars Floricos Muzycescu žodžiams: „Meniška kalba, kuria jis kreipėsi į žmones, visada patraukdavo publiką, taip pat sužavi tuos, kurie klausosi jo grojimo plokštelėje“.

Grigorjevas L., Platek Ya.